Aquí os traigo un adelanto del próximo disco de Opeth, cuyo lanzamiento esta previsto para finales de agosto de este año, Pale Communion.
El tema en cuestión se llama Cups of eternity.
El combo sueco ha abandonado definitivamente el death metal, estando su propuesta musical mas orientada al hard rock setentero, con tintes progresivos, pero eso si, no han perdido esa oscuridad que les caracteriza. Al que no le gustó su anterior trabajo Heritage (2011), esta canción no le va a gustar, este nuevo trabajo continua por el camino marcado por este.
Echo de menos esa parte death de este grupo, aunque me sigue gustando esta nueva orientación, aunque prefiero a los opeth "clásicos". En cualquier caso el tema no esta exento de calidad y sentimiento. A disfrutarlo
Aquí os traigo un adelanto del próximo disco de Judas Priest, cuyo lanzamiento esta previsto para mediados de julio de este año, Redeemer of souls.
El tema en cuestión es el que da nombre al disco. Tras varias escuchas la canción me ha dejado un poco frío, sobre todo el trabajo de Haldford, muy flojo con una linea vocal muy pobre y poco inspirada. El tema no permite oír el buen hacer del batería Scott Travis. En cuanto a las guitarras el nuevo fichaje Richie Faulkuner es bueno, posiblemente mejor que KK Dowing, pero el estilazo de este último era parte imprescindible del sonido Judas. Se le echa de menos. Espero que el resto del disco sea mejor, coño que son los Judas.
Para esta semana tenemos a Fear Factory y su álbum de reunión Archetype (2004), uno de los mejores de ese año y de su discografía, a la altura de sus grandes clásicos Demanofacture (1995) y Obsolete (1998).
De este discazo os presento el vídeo del temaco Cyberwaste.
Para esta semana os traigo todo un clásico del metal extremo, en sus inicios sentaron las bases del estilo este original trío suizo, Celtic Frost con su magnifico álbum To mega Therion (1986), el cual posé una de las mejoras portadas del rock.Como detalle diré que esta diseñada por H.R. Griger, el mismo que diseñó el universo de Alien el 8º pasajero.
El vídeo pertenece al single Circle of the tyrants.
Coincidiendo a que el pasado 1 de marzo de este año se cumple el 40 aniversario del primer lanzamiento de Rush, el homónimo Rush (1974), he decidido hacer un reflexión de porque Rush son.....Rush.
Rush es una banda que ha inspirado a músicos de diferentes generaciones como Nicko McBrian, Vinnie Paul, Steve DiGorgio, Trent Reznor, Sebastian Bash, Gene Hoglan, influenciado a numerosas bandas, tan dispares como Metallica, Anthrax, The Smashing Pumpkins, Primus, Dream Theater, Symphomy X, Rage, Queensrÿche, Porcupine Tree, Opeth, Canker y un larguísimo etc.
Desde 1974 a 2014 han editado 20 albumes de estudio, 10 en directo y 8 recopilatorios. El nivel de ventas no les ha ido mal, 24 discos de oro y 14 de platino, 3 de ellos multiplatino, 2112 (1976), Moving Pictures (1981) y el doble recopilatorio Chronicles (1990). Según datos de la RIAA, Rush está en el puesto 29 en la lista de bandas en obtener más certificaciones de oro y platino con un total de 41 certificaciones (p.e. U2 tiene 43), por delante de bandas como Queen, Kiss, The Doors, The Who o el mismísimo Jimi Hendrix. Tienen la astronómica cifra de ventas de 40 millones de discos vendidos.
Sus miembros son considerados instrumentistas habilidosos, recibiendo el reconocimientos de prestigiosas revistas especializadas y mas importante, de músicos de muy diferentes estilos. Y por fin el pasado 18 de abril de 2013 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock.
Entonces que es lo que ocurre aquí, ¿por qué la industria le da la espalda?, ¿por qué los medios los ignora por completo?, ¿por qué la crítica se ha cebado con ellos en numerosas ocasiones?, ¿por qué se le da mas valor a otras bandas y artistas con mucho menos recorrido y repercusión?, ¿por qué nunca han venido a a tocar España?,......etc. Lo primero que hay que decir que Rush esta formado por tres músicos sencillos, no son excéntricos, no van de estrellas, no son noticias por escándalos, sobredosis, peleas ni demás. Siempre ha existido un gran respeto entre ellos, de echo la formación se ha mantenido estable durante toda su carrera. El único cambio de formación se dio justamente después de editarse el primer disco, debido a que el batería, John Rutsey, no podía mantener el ritmo de conciertos que estaba adquiriendo la banda, por problemas de salud. De esta manera fue cuando entró "el chico nuevo", como aún le llaman, Neil Peart. El grado de respeto y amistad de Rush es insólito en la industria musical, tal es así que cuando fallecieron, la mujer y y la hija de Neil Peart entre 1997 y 1998, él despareció del mapa. Pues bien, el resto de componentes, Alex Lifeson y Geddy Lee, decidieron no continuar con la actividad de Rush sin Neil, si es el fin del grupo que lo sea, Rush es la suma de tres personas, y ninguna de ellas es reemplazable. Otro punto a favor de Rush es su perseverancia y la confianza en su música. Cuando editaron en 1974 sus dos primeros discos, Rush y Fly by night fueron masacrados por la crítica, sobre todo se cebaron con Geddy Lee, por su voz. Pero no solo se quedo ahí la cosa, decían de ellos que eran presuntuosos, aburridos, sin pizca de inspiración, que no tenían ni idea de escribir canciones, y un largo etc. En vez de ceder terreno sacaron a continuación su álbum mas oscuro, pero no por ello exento de calidad, Caress o steel (1975). Este disco y posterior gira supuso un palo para el grupo, las ventas cayeron enormemente y la gira fue un completo fracaso. Bajo este panorama la compañía presionó al grupo para que hiciera singles. En vez de ceder Rush eligió el camino mas arriesgado, hacer lo que saben hacer y no ceder a las exigencias de la compañía, preferían volver a sus antiguos trabajos que prostituir su creatividad. En medio de este "marco incomparable" se presentaron con la obra maestra 2112 (1976). Un disco muy lejos de las pretensiones de la compañía, el cual se abría con "single" de 20 minutos, la inmortal 2112 de duración, siendo una de las mejores canciones de Rush, todo un clásico del rock progresivo.
Además también podemos encontrar temazos como Lessons,Something for nothing o la emotiva Tears. Este disco y el tema título ya merecen por sí un monográfico, que lo haré. La compañía se escandalizó, pero mira por donde el álbum fue todo un éxito de ventas, al igual que la gira, y así Rush, desde entonces consiguió la tan ansiada libertad compositiva a lo largo de toda su carrera. Este puede ser el año mas importante del carrera del trío canadiense. Muchos grupos se han visto el la misma tesitura de Rush, muchos cedieron a las presiones, otros siguieron el camino que creían que debían seguir, fracasos y éxitos se han dado en ambos casos, pero lo que si está claro es que Rush no se dejo doblegar por las exigencias de un guión escrito por ejecutivos y la jugada le salió bien. Suerte, puede ser, pero lo que es indudable es el arrojo del grupo a la hora de seguir por el camino que ellos creen y por su puesto, la indudable calidad que atesora 2112, disco de referencia en el rock progresivo y en el rock en general. En mi opinión cualquier amante de la buena música debería de darle al menos una oportunidad a este disco. Otro patrón que ha marcado su carrera es su constante evolución. Empezaron como un power trío muy influenciado por Blue Cher, The Who o Led Zeppellin, hasta el álbum 2112, a partir del cual desarrollaron la que es para mi su mejor etapa, marcada por canciones que podríamos en marcar dentro de un rock progresivo, con discos como A farewell to kings (1977), Hemipheres (1978), Permanent waves (1980) así hasta el otro gran clásico de la banda, Movin Pictures (1981).
A continuación , haciendo lo contrario que todo el mundo esperaba, después del exitazo que supuso Moving Pictures, en vez de continuar por el camino marcado por este disco, dieron otra vuelta de tuerca a su música, adentrándose en el mundo de los sintetizadores experimentando con el new wave, el reggae y el pop-rock, con Signals (1982), Grace under pressure (1984), Power windows (1985) y Hold your fire (1987). Esta es para mi es una de las mejores épocas de Rush, con temazos como Manhattan project, Red sector A, Time stand still, etc.
Con Presto (1990) se adentraron en un rock mas maduro a medio camino del rock progresivo y el pop-rock, estilo que continúan desarrollando hoy en día. De esta época destacamos Roll the Bones (1991) y Counterparts (1993). Como se puede ver nunca se ha dejado llevar por su propio éxito, han ido evolucionando adaptándose a nuevas tendencias e incorporándolas a su estilo, enriqueciéndose así su propuesta musical. Que ocurre con esto, que pone de quicio a la prensa musical, porque no hay nada más que le guste a un crítico musical que clasificar a un grupo, como un biólogo clasifica un saltamontes. Al enfrentarse a un grupo de Rush con una propuesta musical tan amplia, que abarca desde el rock progresivo al pop, pasando por el reggae y el new wave, se vuelve loco y ante "lo misterioso" es mas fácil ignorarlo o peor aún, tirar por los suelos el trabajo del grupo. Increíble pero cierto. Otro punto fuerte del grupo son sus directos. Es uno de los grupos que mas a girado de la historia del rock. Sus conciertos tienen una duración de casi tres horas de duración. Con una calidad de sonido impresionante. Sus álbumes en directo así lo reflejan, siendo para mi el mejor de ellos, A show of a hands (1988).
Todas las versiones contenidas en este directo supera con creces a las versiones originales, además posee una calidad de sonido, que aún hoy cuesta escuchar en los directos actuales. Como ya se ha comentado anteriormente Rush esta compuesto por tres músicos de gran habilidad y destreza. Geddy Lee, aunque siempre ha sido masacrado por su voz, su habilidad con el bajo nunca ha estado fuera de toda duda, influenciando a músicos como Steve Harris (Iron Maiden), Cliff Burton (Metallica), John Muying (Dream Theater), Les Clypool (Primus), Steve DiGordio (Death), ....etc. Ademas es capaz de tocar varios instrumentos a la vez, canta, toca el bajo, los teclados y una pedalera MIDI.
Alex Lifeson es el músico mas infravalorado del trío. Es desde mi punto de vista uno de los mejores guitarristas rítmicos de la historia, por su versatilidad de estilos y precisión. Como solista nunca le oiremos hacer una super escala a toda velocidad, en cambio tenemos expresión, sentimiento, cadencias, etc. Neil Peart, que podemos decir de él que no se haya dicho ya. Para mi el mejor batería de la historia del rock. Fuerza, habilidad, rapidez, dinámismo, composición, y un larguísimo etcétera hacen de su estilo algo especial. Para muestra un botón.
Además Neil es el letrista del grupo. Este es otro punto de conflicto con los críticos musicales, ya que sus letras abarcan, al igual que su música, un gran espectro de temas. Desde la ciencia ficción, la fantasía y la filosofía hasta temas humanitarios, emocionales, sociales, mediambientales, etc. Pero el punto mas fuerte de Rush son sus canciones, lejos de largas demostraciones de sus habilidades técnicas, ellos hacen canciones. En algunas podemos encontrar muestras de su destreza, pero nunca superponiendo su habilidad a la calidad de la canción. Tienen canciones como Closer to the heart, Entre nous, The spirit of the radio, A pasaage to Bangkok, Bravado o Resist, mas simples, de fácil escucha.
Otras canciones como 2112, Xanadu, Hemispheres, La villa strangiato, By-Tor an the snow dog, The weapon, mas complejas largas y de gran destreza musical. Además siempre han tenido un gran sentido del humor, parodiándose así mismos.
Todo esto hace de Rush una banda especial, única e irrepetible. Pese a ser un grupo con mas de 40 millones de copias vendidas, no deja de ser un grupo de culto. Todo el mundo conoce a otras bandas de su nivel de ventas, todo cristo conoce a Rolling Stones, Led Zeppellin, Metallica, U2, Bruce Spingteen Queen, Kiss, AC/DC, pero no muchos conocen a Rush, pese a su nivel de ventas y a los "sold out" de sus actuaciones. Quizás se deba a que Rush no se han dejado llevar por el mainstream, porque sus componentes no van de estrellas, porque nunca le ha temblado el pulso a la hora de incluir en sus canciones elementos ajenos al rock, simplemente porque han hecho lo que han querido sin pedir permiso a emisoras, periodistas o ejecutivos. Nunca van a tener el reconocimiento que se merecen, por lo menos en vida, pero su legado permanecerá vigente durante mucho, mucho, muchísimo tiempo. Yo y otras muchas personas, lo estamos disfrutando ahora, en vida.
Muy buenas a todos os traigo algo especial, de uno de mis grupos favoritos, los suecos Opeth. El tema en cuestión es una pequeña obra de arte llamada Coil, la cual se encarga de abrir el discazo Watershed (2008). A ver si os gusta.
Aquí os dejo el primer vídeo clip de Ovis Perversa, del tema Mil emociones, extraído de su primer disco . Hard Rock melódico de calidad. Espero que os guste.
Estamos con el 2014 recién empezado y con algunas pocas perspectivas de buenos lanzamientos discográficos este año. Pues bien, hace 30 años no hubiese ocurrió así. Al igual que ocurre con el vino, que existen cosechas especiales en la que la calidad del producto en un año concreto es muy superior a la media, pues en la música ocurre lo mismo y así ocurrió en el año 1984. En la industria musical varios artistas sacaron en ese mismo año sus trabajos mas representativos, como es el caso de Bruce Springteen con Born in USA, Prince con Purple Raino Madonna con Like a Virgin. Discos considerados hoy como clásicos y parte de la cultura popular del siglo XX. Esto no solo ocurrió en la música Pop y Rock, la música Heavy no se quedo al margen, ni mucho menos, se editaron discos insuperables hoy por las propias bandas, surgieron grupos y músicos que redifinieron el estilo y hubo reuniones de dinosaurios del rock.
Vamos a empezar por los grupo noveles. Este año muchos de los grupos que hoy consideramos como clásicos, debutaron este año como es el caso de Bon Jovi (Bon Jovi), WASP (WASP) o Megadeth (Killing my Businnes... my Bussines is good), Anthrax (Fistfull of Metal), Ratt (Out the caller) y un largo etc.
Destacaría el primer disco de WASP, por su energía y calidad, canciones como I wanna be somebody, L.O.V.E. Machine, Hellion o Sleeping into the fire son clásicos del genero.
Hubo otros como es el caso de Metal Church, que no tuvo quizás la repercusión que se mereció, pero su primer homónimo disco es una joya del Thrash Metal con trallazos como Beyond the black o Metal Church. Un disco que quizás hubiese sido mas apreciado a finales de los 80. Desde mi punto de vista muy por encima el debut de Anthrax, Megadeth, Slayer e incluso al de Metallica. Una pena que nos continuaron manteniendo el nivel en sus siguientes lanzamientos.
En Europa también surgieron bandas que sentaron las bases del metal mas extremo como es el caso de Celtic Frost (Morbid Tales) que empezaron a difinir lo que sería el Death Metal y el Black Metal, Running Wild (Gates of Purgatiry) herederos directos de Judas Priest pero ha mayor velocidad y Destruction (Sentenced of death) definieron lo que se conoce hoy en día como Thrash Metal Técnico.
Este año también vio los primeros trabajos de dos guitarristas que influirían a las futuras generaciones, hablo del sueco Yngwie J. Malmsteen y su primer trabajo Rising Force y Steve Vai con su excentrico Flexable. El guitarrista sueco venia de las bandas Steeler y Alcatraz donde ya destacó como un virtuoso guitarrista, pero no fue hasta que saco su primer disco con su banda Rising Force que tuvo la repercusión merecida, siendo unos de los guitarristas mas influyentes de la década de los 80. Muy influenciado por Ritchie Blackmore y la música clásica, este disco abrió nuevos horizontes para los guitarristas de la época. De este disco destaca la inmortal Black Star. Por cierto, estuvo nominado a un premio Grammy como mejor interpretación instrumental, cuando los Grammy tenían credibilidad.
El caso de Steve Vai es diferente, primeramente porque Flexable es un disco de difícil escucha muy influenciado por Frank Zappa, lo edito más para si mismo mas que para un publico mayoritario. Destacan dos temas, The attitude song y I can´t sleep. Melodías y estructuras extrañas, además de técnicas totalmente nuevas, podemos encontrar en este disco.
Otros grupos empezaron su andadura discográfica en años anteriores al 84, pero fue en este año cuando publicaron quizás sus mejores discos. Metallica, una añodespués del sorprendente Kill´em all (1983), se presentaron este año con su mejor trabajo, Ride the Lighting. Este disco muestra una madurez impropia de un grupo tan joven. Canciones mas complejas y elaboradas, pero con grandes melodías, muy buenos estribillos, solos de guitarra rápidos y melódicos, pero sobre todo lleno de canciones, y de gran calidad. Destacaría Creeping death, For whom the bells toll, Rie the lighthing, Fade to Black y la inmensa instrumental The call of Ktulu, vamos casi todo el disco.
Otro grupo que rompió la escena metalera fué Mercyfull Fate con su debut Mellisa (1983). Este año nos trajeron Don´t breack the oath. Disco mas maduro que su predecesor, con joyas como Come to the Sabbath o The omen. El legado de bandas de bandas como Judas Priest o Black Sabbath, orientado a terrenos mas oscuros, marcando las pautas de lo que mas tarde se denominó Black Metal, en cuanto a temática e imagen.
Otro que dio un golpe de efecto fue mi querido Dio. Tras su grandioso debut Holy Diver (1983), el pequeño gran cantante nos regala The last in line. Mantine la misma tónica y nivel de su debut, con trallazos como The last in line, We rock o Egypt.
Slayer tampoco se quedo atrás. Después de Show no mercy (1983), sacaron un EP llamado Hauting the chapel, mucho mas maduro que su álbum de debut, mostrando una mayor elaboración de las canciones y a la vez un aumento de la agresividad, dejando atrás su influencia de Judas Priest (otra vez, ya no es casualidad). Temazos como Chemicasl warfare o Captor of sin dan buena muestra dan de ello.
En 1984 también asistimos a la consagración absoluta de los grandes del genero, Iron Maiden con Powerslave, Judas Priest con Defender of the faith, Accept con Balls to the wall, Saxon con Crusader, Scorpions con Love at first sting, Van Halen con 1984, Twisted Sister y su Stay Angry y un muy largo etc.
En cuanto a grupos de la vieja guardia destacaría el lanzamiento del décimo disco de estudio de los canadienses Rush. Tras el cambio de estilo que significó su album Signals (1982), nos presentaron este año Grace under pressure. Signal se llevo palos por todos los lados, nadie entendía el giro que había dado el trío canadiense, sobre todo tras su exitoso Moving Picture (1981). Lejos de acobardarse, este nuevo disco sigue adentrándose por el camino marcado por Signal, pero con un mayor protagonismo de los teclados. Temas mas complejos y elaborados son grandes canciones. Destacan The afterimage, Red sector A, Distant early warning y The enemy within. Uno de los mejores discos de Rush.
Otro grande que se dejo ver este año es Queen, después del desastroso Hot space (1982), vuelven con un disco de mejor factura pero sin alcanzar glorias pasadas, con clásicos como Radio Ga-Ga, A want to breack free o Hammer to fall. Motorhead revivo tras el incomprendido Another perfect day (1982). Lemmy se quedo sin banda, lejos de amedrentarse siguió adelante, ficho al bateria Peter Gil (ex-Saxon) y descubrió dos buenísimos guitarristas de la vieja escuela, Phil Campbell y Würzel. Editaron un doble álbum recopilatorio titulado No remorse en el cual incluían cuatro canciones nuevas, de las que destaca sobre todo Killed by death. Canción perfecta, al nivel de sus mejores composiciones de los 70, con uno de los vídeos musicales mas macarras del rock.
Otro de los acontecimientos que marcaron esta 1984 fue la reunión de Deep Purple. Después de a haber estado la banda diseminada en varias formaciones como Rainbow, Whitesnake, Ian Guillan Band o Black sabbath, decide reunirse la formación más clásica conocida como Mark II, para grabar el inmortal Perfect Stranger. Este LP está a la altura de sus mejores discos de los 70 como In rock, Machine Head o Burn. Reunieron perfectamente la esencia de los Purple más clásicos con las influencias adquiridas en sus bandas "de transición". Contiene temazos como Knocking in your back door, A gypsy´s kiss, Hungry daze o la propia Perfect Stranger. Además en este disco encontramos uno de los mejores trabajos de Blackmore de toda su carrera. En el panorama nacional destacamos el lanzamiento del primer disco en directo de Baron Rojon, Baron al rojo vivo. Este doble LP capta a la banda en su mejor momento además de ser un fiel ejemplo de la calidad de los barones en directos, sin retoques ni postproducciones ni marranadas.
Lo mas interesante de este directo es que incluye cuatro tema nuevos, cada uno compuesto por un miembro del grupo, en el que destaca sobradamente el titulado Campo de concentración de Sherpa.
No todo se queda ahí, en cuanto a festivales teníamos en los 80 los Monster of Rock. Desde mi punto de vista el mejor de los festivales de heavy desarrollados jamas. Pocas bandas y todas buenas. Pues este año en su quinta edición, tuvo lugar la edición del monster mas exitosa hasta la fecha y una de las mas importantes de toda su historia. Un cartel que hoy llenaría cualquier estadio sin vacilación. Aquí os dejo el cartel del "festivalillo"
Como se puede ver fue un muy buen año. Se hace difícil elegir cual sería el disco del año. Todos los discos mencionados y otros que no lo he hecho por no alargarme, merecerían un monográfico, pero si me tengo que decantar por alguno este es Defender of the Faith de Judas Priest.
Temazos como Some heads are gonna roll, Freewheel burning, Love bites, Eat me alive y sobre todo, el que es para mi el mejor de temas de Judas, The Sentinel, lo avalan. En otro momento hablaré de este disco tal y como se merece.
Buenos días, después de mucho tiempo desconectado retomo el blogg con la serie Vídeo de la Semana. Hoy os traigo un gran video, Welcome home de King Diamond procedente de su gran disco Them (1988). Ya me contareis.
Esta segunda entrega de portadas está dedicada a portadas que causaron controversia y fueron censuradas. Me acuerdo que los vinilos correspondientes, venían con sus portadas tapadas con un cartón negro. Aunque sean "censurables", para mi no dejan de ser obras de arte.
Celtic Frost: To mega Therion (1986)
Guns n' Roses: Apetite for destruction (1987)
Cradle of Filth: Cruelty and the beast (1988)
Sodom: Mortal way of life (1988)
Cannibal Corpse: The wretched spawn (2004). De este grupo podíamos hacer un monográfico
El año 1990 lo recuerdo como un año de mucho ajetreo político-social, la unificación de Alemania, la liberación de Nelson Mandela, el mundial de fútbol de Italia con nuevo fracaso de nuestra selección. Comienzan a emitir las primeras cadenas privadas en España como Tele-5, etc. En cuanto al cine fue un buen año, se estrenó Uno de los nuestros, El Padrino III, Bailando con lobos, Terminator II, y otras menos ilustres arrasaban en taquilla como Ghost y Pretty Woman.
En cuanto a la música ocurrió lo mismo, y en particular a la heavy. La mayoría de los grupos de thrash que iniciaron su andadura a principio y mediados de los 80, se presentaron a lo largo de este año con sus mejores obras: Megadeth con su Rust in Peace, Slayer,con Season in the Abyss, Anthrax con Persistence of time, Annihilator con Neverland,......etc. Mientras, unos desconocidos texanos revolucionaron los cimentos del heavy desde los mas profundo del averno, hablo de Pantera y su Cowboys from hell, mientras que un joven guitarrista entraba por la puerta grande al olimpo de las seis cuerdas, hablo de Steve Vai y su Passion and Warfare.
En cambio los grupos de heavy de corte mas clásico estaban de capa caída o empezaban a mostrar señales de flaqueza y agotamiento compositivo, como es el caso de Iron Maiden y su irregular No prayer for the dying y AC/DC con Thunderstruck. Por otro lados bandas jóvenes como Helloween, herederos directos del trono de Maiden tras elos fantásticos Keeper of the 7 keys, perdían a su líder y mejor compositor, Kai Hansen.
En todo este ambiente nos enteramos que Judas Priest iban a sacar un nuevo disco. Las expectativas, mas bien bajas después del su flojo último disco Ram it dawn (1988). En la música heavy se estaba produciendo un cambio, una evolución, un relevo generacional, los alumnos se estaban convirtiendo en maestros, y los maestros,......estaban algo encasillados o cansados. Además, ¿que podíamos esperar de un grupo como Judas Priest, después de haber sacado diez discos en estudio, dos en directo, y una media de edad de 40 años?, la verdad...... no gran cosa.
Pues una vez mas los Judas nos dieron una bofetada con la mano abierta en toda la cara a todos, con la edición de su nuevo disco, el único e irrepetible Painkiller.
Recuerdo cuando pinché por primera vez mi vinilo, con le equipo a to trapo. Cuando empezó la introducción de batería fue bestial. Pienso que es mi experiencia mas cercana a lo que sintieron los soldados de las fuerzas aliadas durante el desembarco de Normandia.
Judas Priest se reinventaron a si mismos con este disco. No fue un grupo hermético a las nuevas tendencias que se estaban desarrollando en la industria musical, supieron coger lo mejor de grupos como Anthrax, Megadeth, Metallica, Slayer, aprendieron de sus alumnos mas aventajados. Supieron traducir todo este nuevo idioma al lenguaje Judas.
Pienso que gran parte de la culpa de esto la tuvo su nuevo fichaje, el gran batería Scott Travis, procedente del grupo angelino de virtuosos Racer X, donde compartía filas con nada mas y nada menos que con el guitarrista Paul Gilbert. Painkiller con su anterior bateríaDave Holland hubiese sido muy diferente. No quiero ensañarme en el tema pero pienso que a Dave, Judas Priest le venía grande. Scott Travis en este álbum cimento las bases de la batería heavy de los 90 junto Charlie Benante (Anthrax) y Vinnie Paul (Pantera). Escuchar su trabajo en canciones como Painkillar, Leather Rebel o One shot of glory ,es toda una "master-class". En cuanto a las guitarras, que podemos decir de Glenn Typton y KK Dowing que no se haya dicho antes. Quizás junto a la batería es la parte de Judas que mas estaba evolucionando dentro de Judas. Este proceso que se inicio en su disco Turbo de 1986, tiene en Painkiller su momento cumbre, en solos impresionantes como Painkiller, All guns Blazing, Touch of evil o Between the hammer and the anvil. Rob Haldford como siempre en su linea, tonos imposibles pero cálidos, con potencia y madurez. Pocos cantantes de su generación se encontraban en ese estado de forma. En esta época solamente Geoff Tate (Queensrÿche) o Sebastian Bach (Skid Row) podían igualarse al maestro. Si hay que destacar algún teme este sería el que da nombre al disco y abre el álbum, Painkiller. Esta canción resume en sus seis minutos de duración lo que vamos a encontrar a lo largo de todo el disco, una batería espectacular, un trabajo de guitarras simplemente impresionante, una linea de bajo contundente y un Rob Haldford en estado de gracia e inhumano.
Me voy a permitir el lujo de hablar otra canción, la "gran perdedora" de este disco, hablo de Touch of Evil. ¿Por qué lo de perdedora?, muy simple, ha tenido la la mala suerte de compartir disco con el tema Painkiller, mucho mas espectacular y mas moderna en su concepción. Touch en otro disco de Judas sería la canción del disco. Yo creo que Touch está el nivel de Painkiller y de las mejores canciones de los Judas. Touch of Evil es un medio tiempo no muy del estilo de Judas clásico, con un aire setentero pero pasado por el filtro de la evolución y de la renovación. En mi opinión, el mejor trabajo de Rob Haldford desde Defenfer of the Faith (1984) lo tenemos en esa canción. La linea vocal es preciosa, su voz es profunda y calidad, cuando hay que subir lo hace de forma espectacular y precisa. Lo mejor del tema, como ya he comentado, su linea vocal, el estribillo es bastante pegadizo (de echo salió como primer single del disco). El solo, uno de los mejores de Glenn Typton en toda su carrera, melódico, que va cogiendo intensidad conforme se va desarrollando. Toda una muestra de como como hay que hacer un buen solo de guitarra. Otro momento cumbre tiene lugar justamente en la a estrofa que va después del solo. Y para terminar, una de las frases mas intensas que se han escuchado en el rock " you're possessing me". Muy bien Haldford, la típica linea que o lo canta él o no la hace nadie más. Esta canción se aleja un poco de lo que suele hacer Judas normalmente. En vez de ser una canción rápida, alegre, donde el riff principal es el que dirige el tema, en Touch of Evil es la voz la que manda, con un registro mas grave de lo habitual en Haldford pero lleno de intensidad, es ella la que va marcando los parámetros por los cuales se va desarrollando la canción. Quizás el único tema en la linea de touch sea Here comes de tears del disco Sin after sin (1977).
Otra cosa sorprendente de Painkiller es su producción, perfecta. Escuches donde lo escuches suena bestial, aún hoy en día 23 años después, sigue sonando fresco. Muchos discos producidos hoy en día, con todos los medios, con todos los super programas del copón disponibles, no tienen ni la calidez, ni la potencia ni la definición de Painkiller. ¿Por qué? primeramente debido a que los "abueletes" que lo grabaron tocaban y mucho. Lo segundo el productor, en este caso Chris Tsangarides sabía producir, sabía de sonido, de como sacar lo máximo de un músico y no solo copiar, cortar y pegar plugins. En este disco está todo en su sitio, todos los instrumentos se escuchan a la perfección, una producción cristalina pero con fuerza y rabia. De echo Painkiller es un disco muy útil para testear equipos, salas de grabación, PA, etc. Varias de conclusiones. La primera es que Painkiller es el resultado de la evolución que inicio Judas Priest con su disco Turbo en 1986 y que continuó con algo de desacierto en Ram it dawn. Sin estos dos discos pienso que Painkiller hubiese sido muy diferente. Mi segunda conclusión es que Judas Priest, pese a su veteranía siguen escuchando música e incorporando las nuevas tendencias al universo Judas, al contrario de otras bandas de su nivel y rango como Iron Maiden o Dio. Lo hicieron con British Stell (1980), lo hicieron con Turbo (1986) y lo harían años mas tarde con Jugulator (1997). Renovarse o morir. Arriesgar. La tercera y última. En esta hago mención al título de este modesto artículo. Si, considero Painkiller como la obra cumbre del heavy metal, no quiero decir que sea el mejor disco de heavy de la historia pero si uno de los mejores, y si es cierto que marco un hito. Redefinió los parámetros por los cuales se desarrollaría este estilo en los años venideros. Tal fue su impacto en las escena heavy, que muchos grupos intentaron imitarlo. Aquí la otra cara de la moneda. Casi todo grupo de heavy de corte clásico que quisiese considerarse actual, intentaba crear un Painkiller II. Ahí estuvo la ruina del estilo. La mayoría de los grupos surgidos de Alemania, España, Suecia, EEUU, etc intentaban una y otra vez sacar su propio Painkiller, pero todos y cada uno de ellos fracasaron en el intento. Painkiller representó las dos caras del exito. Por un lado marco un antes y un después en la música heavy en general y en la de Judas Priest en particular, y por otro lado mató el estilo, pues a día de hoy, todavía no he escuchado ningún disco de heavy metal que se le aproxime en lo mas mínimo a Painkiller, el último gran clásico.
El 25 de mayo de 1973 salía a la venta un disco instrumental con el que se presentaba al mundo un joven músico multi-instrumentista de 20 años. Muy pocos eran los que podían adivinar que se trataba de un disco que acabaría formando parte de la historia y de la cultura popular de nuestro tiempo. Señoras y señores estamos hablando de Tubular Bells de Mike Oldfield.
Originalmente nuestro amigo Miguel grabó de forma casera una primera maqueta de 20 minutos de duración. La presentó a varias compañías discográficas de Londres, como EMI, CBS, etc. Ninguna mostró un mínimo de interés ya que se trataba de una propuesta musical complicada y ambiciosa, además de sin voz.
La maqueta llegó las manos de Richard Bronson, que en aquella época se dedicaba a la venta de discos por correo. Entusiasmado con lo que había escuchado, ofreció al joven la posibilidad de llevar la maqueta la vinilo. Para ello Richard creo su sello discográfico, Virgin Records el cual dio a luz a su primer vástago llamado Tubular Bells, una osadía de 50 minutos de complejos desarrollos instrumentales. Tubular Bells le dió a Mike Oldfield la ansiada libertad creativa que todo músico anhela y que necesitará a lo largo de su carrera musical, además de hacerlo millonario a los 20 años de edad. Además ayudo a crear el imperio Virgin.
Tubular Bells se compone de dos piezas, muy originalmente llamadas part one y part two de 25 y 23 minutos de duración. En estas dos piezas son desarrolladas un sinfín de melodías con la introducción de varios elementos tan originales como:
- Ausencia de voces: Aunque son utilizadas en coros y acompañamientos en varias ocasiones, en todo el disco no existe un solo pasaje con letra propiamnete dicha. Lo mas parcido es el movimiento denominado Piltdown Man (Hombre de las cavernas).
- El maestro de ceremonias: Sin duda una de las partes mas originales. Se trata de la voz de Vivian Stanshall que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras se van oyendo y uniendo a la melodía principal, un in crescendo de casi 6 minutos de duración. El último instrumento en incorporarse es el que da nombre al disco: Tubular Bells.
- Mike Oldfield toca los siguientes instrumentos en le disco: Piano de cola, carrillón, frasan organ, bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra española, speed guitar, taped motor drive organ motor, mandolina, fuzz guitars, percusión variada, flageolet, piano honky tonk, lowry organ, campanas tubulares, concert tympani, hammond y voces.
Para mi este disco tiene infinidad de movimientos que remarcar. La primera parte del disco merecería y a por si sola un monográfico. En cualquier caso voy a reseñar tres trozos de esta obra:
- Introducción: Pocos discos tienen un comienzo tan característico e hipnotizador. Sin ser nada espectacular, ni grandilocuente, esta melodía de no mas de diez notas te abraza, te seduce, te sumerge en un mundo sonoro lleno de pasajes, emociones, estados de ánimo, de sensaciones, durante los próximos 25 minutos. Pero no olvidemos que son esas diez notas las que tejen la red que te atrapa y no te deja escapar.
- Final Part One: A los 17 minutos de la primera parte de tubular comienza la famosa melodía la cual te va preparando para uno de los mejores desarrollos instrumentales de nuestro tiempo. Conforme van siendo nombrados, van sonando diferentes instrumentos los cuales reproducen la melodía inicial hasta ese gran finale: plus...Tubular Bells.
- The Piltdown Man (El hombre de las Cavernas): Uno de los momentos mas "duros" del disco se produce a las 11:40 minutos del Part Two. Tiene una curiosidad histórica. En un yacimiento arqueológico se encontró la calavera de un humano con la mandíbula de un simio. Aquello significó una gran revolución, y se creo una enorme polémica. Finalmente se descubrió que aquello no había sido más que una estafa. Oldfield hizo su particular visión de cómo imaginó a aquel humanoide rudo e ignorante, en la que él mismo pone su voz a su particular "hombre de las cavernas".
La pequeña melodía inicial de 10 notas convirtió este debut en algo gigante, permaneció 279 semanas en las listas de éxitos y vendiendo mas de 15 millones de copias.
El éxito de este disco fue tal que su primer movimiento fue seleccionado por William Friedkin para formar parte de la banda sonora de su nueva película, El Exorcista. De hecho, se editó un sencillo que resumía los ocho primero minutos de Tubullar bells, sin la autorización de Mike Oldfield. Este sencillo alcanzaría el puesto 7 en el Billboard, una lista en la que jamás entrarían sus temas mas exitosos y comerciales como Moonlight shadow, Family Man o To France. Misterios del mercado.
A la edición de este disco le seguirán a lo largo de los años varias secuelas mas o menos afortunadas:
The Orchestral Tubular Bells (1975)
Tubular Bells II (1992)
Tubular Bells III (1998)
The Milenium Bell (1999)
Pensad una cosa, durante esta año de 1973 algunas vacas sagradas de la industria musical sacaron sus mejores o muy buenos discos como fue el caso de Pink Floyd con Dark side of the moon, Black Sabbath con Sabbath bloody sabbath, o Deep Purple con Who do we think we are.También compitió con los debuts discográficos de bandas de la talla de Queen o Aerosmith o exitos mundiales como la banda sonora de Jesuschrits Superstar. No voy a entrar si tubular es mejor o peor que los mencionados, pero si hay que reconocerle su merito. Este disco aún siendo instrumental, sin singles, compuesto por un adolescente de 17 años y grabado por un joven de 20, es una referencia necesaria para entender el desarrollo cultural e los últimos 40 años, pese a los duros competidores que tuvo nada mas en su año de salida al mercado. Esto también es visible en la discografía de Mike Oldfield, pese a sacar un montón de discos, algunas de mas calidad incluso que tubular, como es el caso de Ommadwan (1975), ninguno ha conseguido hacerle la mas mínima sombra.
También es el ejemplo de tesón y de creer en uno mismo. Mike Oldfield se recorrió todas las discográficas de Inglaterra para sacar su proyecto adelante. Muchos le insistía una y otra vez en que incluyese voces con letra, etc. El creía en su obra tal y como la había concebido. Contó con la inestimable ayuda de Richard Bronson, el cual vio en el joven y en su idea, el diamante que tenía en sus manos, y se jugaron todo a una carta. Ambos jugaron y ganaron. ¿Tuvieron suerte?, puede ser, pero ellos fueron a por ella, la buscaron y la ganaron, respaldados por la enorme calidad que atesora Tubular Bells.
A continuación os dejo Tubular Bells, part One en directo y part two en estudio. A disfrutarlo
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